‘Infinity – Alberto Garutti, Peter Halley, Tatsuo Miyajima, Roman Opalka, Lee Ufan, Clare Woods’
Infinity – Alberto Garutti, Peter Halley, Tatsuo Miyajima, Roman Opalka, Lee Ufan, Clare Woods
26 Mar—23 Apr 2022

Infinity – Alberto Garutti, Peter Halley, Tatsuo Miyajima, Roman Opalka, Lee Ufan, Clare Woods

26 Mar—23 Apr 2022
Buchmann Galerie
Press release

 

The concept of infinity is applied to phenomena that transcend the quantifiable, where our systems of measurability no longer provide accurate information. At this point we enter a realm where the purely metric crosses over with the transcendent, with the spiritual and philosophically speculative. Artistic creation often emerges along this line - from clear localisation to ephemeral appearance. The works of the artists in the exhibition can all be related - in one way or another - to the concept of infinity.

 

Thus, the notion of the end point of the measurable, and a possible beginning of infinity, appears in the work Orizzonte by Alberto Garutti (1948, Galbiate, IT). Each work in the series Orizzonte, begun in 1987, has an everlasting relationship with the name of its owner in the title of the work, and thus continues to write itself. "When I design a new horizon, I always imagine the straight line leaving my studio, entering the homes of collectors and joining the others to construct the 'ideal' horizon of my life, the union of all those who love and support my work," says the artist. The sharp horizontal division into a white and a black surface, in which the surrounding space is reflected, creates an association of infinite space behind the line of the horizon.

 

In 1965, the French-born Polish artist Roman Opałka made a fundamental artistic decision that would henceforth determine the rest of his life and work. He decided to paint numbers from one to infinity for the duration of his life, progressing from one canvas to the next. Using a fine brush, starting with a small "1" in the upper left corner of a black canvas measuring 195 x 135 cm, the artist continued to paint neat rows of tiny consecutive numbers from one side of the canvas to the other. By the time he reached the lower right corner, he had reached the number 35,327. The next painting then began with this number, etc. From 1971 onwards, Opalka began to make the ground colour of the canvas 1% whiter with each new painting. At the time of his death in August 2011, Opalka's decade-long count had reached 5,607,249. Over the course of 46 years, 233 canvases were created. Opalka contrasts the paintings with his photographic portrait, which he took of himself with the same expression over and over again. These photographs impressively document the changeability of all being.

 

Tatsuo Miyajima's (*1957, Tokyo) work Life (ku wall) consists of numerical displays made of light-emitting diodes (LEDs) that light up in a black square object at unpredictable speeds and positions. The numbers 1-9 - 0 is omitted, as in all of Tatsuo Miyajima's work - light up in an infinite combinatorics in inexhaustible variations. Keep changing, connect with everything, and continue forever are the three conceptual foundations of Tatsuo Miyajima's multifaceted work, whose existential examination of time and number in a world increasingly dominated by numbers and counting, the measurable and the finite, is impressively topical.

 

Peter Halley (*1953, New York City), key figure of the Neo-Conceptualism of the 1980s, is known for his "Cells", geometric-abstract works that transfer the radically contentless codes of historical abstraction into a post-structuralist reading. His abstract-geometrical paintings, often executed in Day-Glo luminous paint, thematise the world as a network of structural references and dependencies. A special place in Halley's oeuvre is occupied by the 2017 work Explosion in the exhibition - an explosion of soft greens and yellows on aluminium that could be read as an explosive commentary on the artist's austere geometricising works.

 

In the work Study for Maybe in Another World by Clare Woods (*1973, Southampton, UK), the questioning of the (in)finite takes place from a deeply painterly perspective. The title refers to another world, painted in ephemeral yet powerful brushstrokes, the image detail shows us a section of a - potentially infinite - painterly sky. The subject of the sky is new in Clare Wood's extensive oeuvre, apart from the paintings of windows from recent years, in which the sky appeared as an inkling, a glimpse out of the window. In Wood's painting, the sky appears as a space that "hovers above things", just as the sky is a highly symbolic territory in Western culture. The "infinite", unfinished, of the sky is now defined by a strong cut-out, the (potential) infinity of the space above us transferred into an image of sublime colour.

 

Lee Ufan (*1936, Gyeongsangnam-do, Korea), the most prominent member of the influential Mono-ha movement in Japan, painter, sculptor, author, philosopher, uses the raw material as an inescapable quantity. A profound connoisseur of modern philosophy and Asian metaphysics, Lee Ufan has combined his artistic practice with a wealth of theoretical and philosophical writings. Western notions of representation are critically considered by Lee Ufan, and his work explores the relationships between materials and their perception. His minimalist practice, which bears witness to an extraordinary ethic of restraint, creates a form of dialectical approach to the infinite via emptiness.

The exhibited work Relatum, 1978 combines a three-metre rope with a 350-kilogram steel block. Measurable quantities, weight, length, extension, volume are made accessible to the viewer with the invitation to examine the metaphysical content for oneself. Thus the work spans the arc, to quote Wittgenstein, between "The world is everything that is the case" to "What one cannot speak about, one must remain silent about". The work was exhibited in the 2011 exhibition Marking Infinity at the Guggenheim New York.

 

For more information on the artists or images, please feel free to contact the gallery at any time.

Pressemitteilung

 

Der Begriff der Unendlichkeit wird auf Phänomene angewandt, die das Quantifizierbare überschreiten, bei der unsere Systeme der Messbarkeit keine exakten Informationen mehr liefern. An diesem Punkt betreten wir einen Bereich, in dem sich das rein Metrische mit dem Transzendenten überkreuzt, mit dem Spirituellen und philosophisch Spekulativen. Künstlerisches Schaffen entsteht oft entlang dieser Linie – von der klaren Lokalisierung bis zur ephemeren Erscheinung. Die Werke der Künstler in der Ausstellung lassen sich alle - in der einen oder anderen Weise - auf den Begriff der Unendlichkeit beziehen.

 

So scheint die Vorstellung vom Endpunkt des Messbaren, und einem möglichen Anfang der Unendlichkeit in dem Werk Orizzonte von Alberto Garutti (*1948, Galbiate, IT) auf. Jedes Werk der 1987 begonnenen Serie Orizzonte steht mit dem Zusatz des Namens des jeweiligen Eigentümers/in im Werktitel in einer immer währenden Beziehung zu dem/der selbigen, und schreibt sich somit immer weiter fort. "Wenn ich einen neuen Horizont entwerfe, stelle ich mir immer vor, dass die gerade Linie mein Atelier verlässt, die Häuser der Sammler betritt und sich mit den anderen verbindet, um den 'idealen' Horizont meines Lebens zu konstruieren, die Vereinigung all derer, die mein Werk lieben und unterstützen"(*), so der Künstler. Die scharfe horizontale Teilung in eine weisse und eine schwarze Fläche, in der sich der umgebende Raum spiegelt, schafft eine Assoziation von unendlichem Raum hinter der Linie des Horizonts.

 

Im Jahr 1965 traf der in Frankreich geborene polnische Künstler Roman Opałka eine fundamentale künstlerische Entscheidung, die fortan sein weiteres Leben und Werk bestimmen sollte. Er entschied für die Dauer seines Lebens Zahlen von eins bis unendlich zu malen, die von einer Leinwand zur nächsten fortschreiten sollten. Mit einem feinen Pinsel, startend mit einer kleinen "1" in der oberen linken Ecke einer schwarzen Leinwand in den Massen 195 x 135 cm fuhr der Künstler fort, saubere Reihen winziger aufeinander folgender Zahlen von einer Seite der Leinwand zur anderen zu malen. Als er die untere rechte Ecke erreichte, hatte er die Zahl 35.327 erreicht. Das nächste Bild begann dann mit dieser Ziffer etc. Ab 1971 beginnt Opalka die Grundfarbe der Leinwand bei jedem neuen Bild um 1% weisser zu machen. Zum Zeitpunkt seines Todes im August 2011 hatte Opalkas jahrzehntelange Zählung 5.607.249 erreicht. Im Verlauf von 46 Jahren entstanden 233 Leinwände. Den Gemälden hält Opalka sein photographisches Porträt entgegen, das er mit dem immer gleichen Ausdruck von sich aufnahm. Diese Fotografien dokumentieren eindrucksvoll die Wandelbarkeit allen Seins.

 

Tatsuo Miyajimas (*1957, Tokyo) Arbeit Life (ku wall) besteht aus Zahlenanzeigen aus Leuchtdioden (LEDs), die in einem schwarzen quadratischen Objekt in unvorhersehbaren Geschwindigkeiten und Positionen aufleuchten. Die Zahlen von 1-9 – die 0 wird, wie im gesamten Werk von Tatsuo Miyajima, ausgelassen – leuchten in einer gegen unendlich gehenden Kombinatorik in unerschöpflichen Variationen. Keep changing, connect with everything, und continue forever sind die drei konzeptionellen Grundlagen von Tatsuo Miyajimas vielseitigem Werk, dessen existenzielle Auseinandersetzung mit Zeit und Zahl in einer Welt, die immer mehr von Zahlen und dem Zählen, dem Messbaren und endlichen beherrscht wird, von beeindruckender Aktualität ist.

 

Peter Halley (*1953, New York City), zentrale Figur des Neo-Konzeptionalismus der 1980er Jahre, ist bekannt für seine "Cells", geometrisch-abstrakte Arbeiten welche die radikal inhaltslosen Codes der historischen Abstraktion in eine poststrukturalistische Lesart überführen. Seine abstrakt-geometrisierenden Gemälde, oft in Day-Glo Leuchtfarbe ausgeführt, thematisieren die Welt als Netz aus strukturellen Bezügen und Abhängigkeiten. Eine Sonderstellung in Halleys Werk nimmt die in der Ausstellung zu sehende Arbeit Explosion aus dem Jahre 2017 ein - eine Explosion aus weichen Grün und Gelbtönen auf Aluminum, die als explosiver Kommentar zu den strengen geometrisierenden Arbeiten des Künstlers lesbar wäre.

 

In der Arbeit Study for Maybe in Another World von Clare Woods (*1973, Southampton, UK) erfolgt die Befragung des (un-)endlichen aus einer zutiefst malerischen Perspektive heraus. Der Titel verweist auf eine andere Welt, gemalt in ephemeren und doch kräftigen Pinselspuren, der Bildausschnitt zeigt uns einen Ausschnitt aus einem - potentiell unendlichen - malerischen Himmel. Das Sujet des Himmels ist neu in Clare Woods umfangreichen Werk, sieht man von den Gemälden der Fenster aus den letzten Jahren ab, in denen der Himmel als eine Ahnung, als Blick aus dem Fenster aufschien. Der Himmel erscheint in Clare Woods Gemälde als Raum, der "über den Dingen schwebt", wie ja der Himmel im westlichen Kulturkreis ein hochgradig symbolisch besetztes Territorium darstellt. In Clare Woods Arbeit ist das Infinite, nicht abgeschlossene, des Himmels nun durch einen starken Ausschnitt definiert, die (potentielle) Unendlichkeit des Raumes über uns überführt in ein Bild aus sublimer Farbigkeit.

 

Lee Ufan (*1936, Gyeongsangnam-do, Korea), prominentestes Mitglied der einflussreichen Mono-ha Bewegung in Japan, Maler, Bildhauer, Autor, Philosoph, nutzt das rohe Material als unhintergehbare Grösse.  Als profunder Kenner der modernen Philosophie und der asiatischen Metaphysik hat Lee Ufan seine künstlerische Praxis mit einer Fülle von theoretischen und philosophischen Schriften verbunden. Westliche Vorstellungen von Repräsentation werden von Lee Ufan kritisch  betrachtet, sein Werk untersucht die Beziehungen zwischen Materialien und ihrer Wahrnehmung. Seine minimalistische Praxis, die von einer außergewöhnlichen Ethik der Zurückhaltung zeugt, schafft über die Leere eine Form der dialektischen Annäherung an das Unendliche.

Die ausgestellte Arbeit Relatum, 1978 kombiniert ein drei Meter langes Seil mit einem 350 Kilogram schweren Stahlblock. Messbare Grössen, Gewicht, Länge, Ausdehnung, Volumen werden dem Betrachter zugänglich gemacht mit der Aufforderung den metaphysischen Gehalt selbst zu prüfen. So spannt die Arbeit den Bogen, um Wittgenstein zu zitieren, zwischen "Die Welt ist alles was der Fall ist" zu "Worüber man nicht sprechen kann, darüber muss man schweigen". Die Arbeit war 2011 in der Ausstellung Marking Infinity im Guggenheim New York ausgestellt.

 

Für weitere Informationen zu den Künstler*innen oder Abbildungen können Sie gerne jederzeit die Galerie kontaktieren.

 

(*) “When I make a new Horizon I always imagine that the straight line could go out of my studio, enter the homes of collectors and connect with the others – the artist says – to construct the ‘ideal’ horizon of my life, the union of all those who love and support my work”.