Die Buchmann Galerie freut sich, im Rahmen der Art Week Berlin 2026 eine Ausstellung mit Werken von Jim Butler zu präsentieren.

Die Ausstellung zeigt eine Reihe intimer Gemälde, die Jim Butler in den vergangenen fünf Jahren in New England, im Nordosten der USA, geschaffen hat. Es sind zutiefst reflektierte Bilder, die aus einer präzisen Wahrnehmung des Ortes heraus komplexe Emotionen hervorrufen. Ihre besondere Wirkung liegt in der fokussierten Beobachtung und der unverwechselbaren Verbindung von Realität und persönlicher Wahrnehmung.

Das Malen vor dem Motiv, „en plein air“, bildet einen zentralen Bestandteil von Butlers künstlerischer Praxis. Feinste Nuancen von Licht und Atmosphäre machen die dargestellte Welt unmittelbar erfahrbar und lassen ihre Beschaffenheit beinahe körperlich spürbar werden. Dabei ist wesentlich, dass Butler, der in dieser Region aufgewachsen ist, seine unmittelbaren Wahrnehmungserfahrungen zugleich mit einer inneren Welt aus Erinnerungen und Assoziationen verbindet. Die daraus entstandenen Gemälde zeichnen nicht nur sein eigenes Leben nach, sondern berühren zugleich ein tief im menschlichen Empfinden verankertes Bedürfnis, uns als Teil eines fortwährenden Zusammenhangs von Zeit, Natur und Beziehungen zu erfahren.

Butlers Bilder von Bäumen, Flüssen und Booten sind von einer liebevollen Aufmerksamkeit für die Landschaft geprägt. Von Licht und feinen Texturen geprägt, vermitteln sie eine Welt, die sich in einem empfindlichen Gleichgewicht befindet. Bemerkenswert ist auch, worauf Butler in seinen Bildern verzichtet. Es gibt keine dramatischen Ereignisse und keine vordergründige Erzählung, keine industriell veränderten Landschaften, keine idealisierten ländlichen Ansichten und keine roten Sonnenuntergänge. Stattdessen richtet Butler seine Aufmerksamkeit auf die feinen Besonderheiten einer Welt, die sich nur wenige Kilometer von seinem Zuhause erstreckt.

So erscheint der Sommer in „June“ unter einem hochstehenden, gleichmäßig strahlenden Sonnenlicht. Der beginnende Frühling in „Two Cherries“ hingegen wirkt tastend in einer Weise, die den Wunsch weckt, dieser flüchtige Moment möge noch ein wenig länger andauern. In „September Morning“ fragmentieren sich Licht und Schatten des Herbstes zu einem Mosaik aus rostbraunen Farbtönen. Menschen und Tiere, sofern sie überhaupt erscheinen, bleiben schemenhaft und treten lediglich als Schatten in Erscheinung. Wie die Teile eines Puzzles, fügt sich im Verlauf der Ausstellung die Topografie dieser nordamerikanischen Landschaft zusammen. Die verschiedenen Orte, die der Künstler aufgesucht hat, verbinden sich zu einem zusammenhängenden Ganzen. Auf diese Weise gewinnen die Werke ihre eigene Bestimmtheit: eine zeitgenössische Welt im menschlichen Maßstab, die unsere Bedeutung als sensible Wesen bestätigt, die bereit sind, sich für den subtilen Reiz ihrer Umgebung empfänglich zu zeigen.

Jedes Bild trägt dabei seine ganz eigene zeitliche Dimension in sich. In „Late Ice“ etwa überlagern sich mehrere unterschiedliche Zeitebenen – vom detailliert dargestellten, lebendigen biologischen Geschehen an einem sich natürlich entwickelnden Flussufer über den Brückenkopf einer hundert Jahre alten Brücke bis hin zu einer in der Ferne nur angedeuteten Scheune. All dies wird von einem Strom kalten Wassers belebt, der wie eine Arterie durch das Bild fließt, beständig wie eine Uhr. Es ist ein Gemälde über Zeit, die sich wie geologische Sedimentschichten übereinanderlagert.

Mitunter kehrt Butler über mehrere Jahre hinweg an denselben Ort zurück und arbeitet an demselben Motiv, um den kurzen Zeitraum der Blüte eines Baumes festzuhalten. Für ihn ist dies ein kreativer Prozess, der immer wieder ungeplante Möglichkeiten eröffnet. Das Malen im Freien beschreibt er als eine Art Wachtraum. Während seine Aufmerksamkeit ganz auf den Entscheidungen über das unmittelbar vor ihm Sichtbare gerichtet ist, können seine Gedanken ebenso leicht in Erinnerungen abschweifen, etwa zu einem Gemälde, das er in den 1970er-Jahren in Providence, Rhode Island, geschaffen hat. Menschen, Orte und Gespräche überlagern sich. Butler vergleicht die Erfahrung des Malens im Freien damit, einen Finger in einen kontinuierlich fließenden Strom zu halten.

Zentral ist die Frage nach Emotion, die diese Gemälde so eindringlich macht. Vielleicht zeigt sich dies nirgends deutlicher als in Butlers Entscheidung, Boote zu malen. In „Muddy Inlet“ etwa treibt ein kleines Segelboot in der Dämmerung auf tiefgrünem Wasser. Das Gemälde macht uns die Wandelbarkeit des Wassers bewusst. Wir sehen unmittelbar, wie es unter dem Boot Auftrieb erzeugt, und nehmen es zugleich auf einer unbewussten Ebene auch oberhalb der Wasseroberfläche wahr, wo es als feuchte sommerliche Atmosphäre unsere Lungen erfüllt. Es ist ein Ort, den wir alle kennen oder kennen möchten, weil sein emotionaler Gehalt universell ist und doch mit den ganz persönlichen Assoziationen jedes Betrachters verbunden bleibt. Butler bestätigt dies, indem er erzählt, dass auch er beim Malen des Bildes solche Empfindungen hatte. Tatsächlich war dies das erste Mal, dass er ein Boot malte. Zunächst faszinierten ihn vor allem die Farben und Muster der Spiegelungen unterhalb des Bootes. Doch während er malte und mit dem Sonnenuntergang allmählich das Licht schwand, kam ihm plötzlich der Gedanke an seinen Onkel, einen amerikanischen Maler der 1930er-Jahre, der ihn in die Ölmalerei eingeführt und selbst ein Jahrhundert zuvor Boote entlang der Küste gemalt hatte.

Butlers Gemälde eröffnen immer wieder die Möglichkeit, eine Verbindung zu der Welt innerhalb und außerhalb unserer selbst herzustellen. Sie erlauben uns, unsere unmittelbare Welt für einen Moment hinter uns zu lassen und uns unseren eigenen Tagträumen hinzugeben, in einer Welt, die auf subtile Weise das, was wir sehen, mit dem verbindet, was wir uns vorstellen.